A significant amount of academic education in fine arts schools used to focus on drawing. Antonio López stood out very early on with his talent in this field. His long evening sessions in the Casón del Buen Retiro building, copying the classic sculptures there in the Museum of Artistic Reproductions, had a crucial impact on his decision to concentrate on figuration, unlike his colleagues’ interest in exploring the possibilities of informalism. The journeys of his youth to Italy and Greece fostered his interest in classical art and the Italian Quattrocento, which he rediscovered through the metaphysical artists.

But the truly decisive influence on his development as an artist came from his uncle, the painter from Tomelloso, Antonio López Torres, who discovered his talent and handled his preparation to enter the San Fernando School. It was from him that he learned that the profession is a long-haul career involving daily work of an austere nature with modest themes. Following his advice, he concentrated on reflecting the reality of his personal surroundings; everyday domestic scenes in which his family and environs appeared.

His pictorial technique made the most of his informalist colleagues’ matteristic possibilities for painting, hinting at muralism and fresco painting. His plastic concerns led him to experiment with relief (in polychrome wood, in clay and in bronze), where he played with forced perspectives that capture the onlooker’s gaze, and soon he also began to work with freestanding sculpture.

In these scenes that are apparently so neutral, he introduces the artist’s subjective point of view. It is a dreamlike tone that infuses everything: a psychological and emotional load that is more epiphany than narrative (the reviewers spoke in such terms), strengthened by the use of tools typical of magical realism, surrealism and metaphysical painting. All of this pictorial arrangement seeks to reproduce the mystery that feeds the artist’s view of reality; that mystery which over time enables one to glimpse the transcendental nature of the most insignificant objects in the world around us.

Una part important de la formació acadèmica a les escoles de belles arts se centrava en el dibuix. Antonio López va destacar molt prompte com a dibuixant i les llargues sessions vespertines en el Casón del Buen Retiro, copiant les escultures clàssiques del Museo de Reproducciones Artísticas, van tindre un pes determinant en la seua decisió de cenyir-se a la figuració enfront de l'interés dels seus companys per explorar les possibilitats de l'informalisme. Els viatges juvenils a Itàlia i a Grècia van reforçar el seu interés per l'art clàssic i el Quattrocento italià, que va redescobrir a través dels pintors metafísics.

Però la influència decisiva en el seu desenvolupament com a artista la va exercir el seu oncle, el pintor de Tomelloso, Antonio López Torres, qui va descobrir el seu talent i va dirigir la seua preparació per a l'ingrés a l'Escuela de San Fernando. D'ell va aprendre que l'ofici és una carrera de fons, de treball quotidià, de caràcter auster i temes modestos; seguint els seus consells, es va centrar en reflectir la realitat del seu entorn personal, escenes domèstiques del dia a dia, amb la família i el seu entorn com a protagonistes.

La seua tècnica pictòrica explota les possibilitats matèriques de la pintura dels seus companys informalistes, amb picades d'ullet al muralisme i la pintura al fresc. Les seues inquietuds plàstiques li porten a experimentar amb el relleu ―en fusta policromada, en fang, escaiola o en bronze― on juga amb perspectives forçades que atrapen la mirada de l'espectador i prompte comença a treballar també amb l'escultura exempta.

En aquestes escenes tan aparentment neutres, introdueix la mirada subjectiva de l'artista. Es tracta d'un to oníric que ho impregna tot, una càrrega psicològica i emocional més epifànica que narrativa (en aquestos termes parlava la crítica), que es veu reforçada per l'ús de recursos propis del realisme màgic, del surrealisme o de la pintura metafísica. Tot aquest entramat pictòric busca reproduir el misteri que nodreix la mirada de l'artista sobre la realitat; eixe misteri que a través del temps, permet entrellucar el caràcter transcendent dels objectes més insignificants en el món que ens envolta.

La exposición Antonio López, producida por la Fundación Bancaja para su exhibición en su sede de València desde el 24 de septiembre de 2020 al 28 de febrero de 2021, es una retrospectiva de uno de los artistas más lúcidos y significativos del arte internacional de los últimos setenta años. La muestra antológica ofrece un recorrido completo por el trabajo de Antonio López (Tomelloso, 1936) desde los años de juventud al inicio de la década de los 50 hasta la actualidad con piezas en las que estuvo trabajando en su estudio durante el desarrollo de la exposición y algunas en proceso que quiso mostrar al público. El recorrido por su trayectoria incluye en esta exposición todas las disciplinas plásticas practicadas a lo largo de sus casi 70 años de producción artística desde la pintura a la escultura y el dibujo.

La muestra antológica de Antonio López incluye también una sección dedicada a la pintora figurativa María Moreno (Madrid, 1933 -2020), su mujer, que supone la primera ocasión en la que exponen juntos ambos artistas, al margen de exposiciones colectivas junto a otros creadores.

Para la realización de esta exposición la Fundación Bancaja ha contado con préstamos excepcionales de importantes colecciones privadas e instituciones públicas. Las obras proceden de una treintena de colecciones como las del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Fundación ICO, Museo ARTIUM. Vitoria – Gasteiz, Museo de Bellas Artes de Bilbao, Galería Marlborough, Colección Rucandio, Colección Fundación Montemadrid, Colección Fundació Sorigué, Colección Orpheus, Colección privada cortesía Michel Soskine Inc. Madrid – New York, Museo Municipal de Valdepeñas, así como más de 25 colecciones privadas.

Autores de los textos: Tomàs Llorens y Boye Llorens, comisarios de la exposición.

La natura morta o la naturalesa morta és, al costat del retrat (o la figura humana) i el paisatge, el tercer dels gèneres clàssics de la pintura; un gènere històric per a Antonio López, que necessàriament ha d'abordar.

Com al seu oncle, el pintor de Tomelloso, a Antonio López sempre li ha interessat el camp i com els cicles i les estacions van marcant el pas del temps any rere any; un temps mil·lenari. Pinta els fruiters que ha plantat al jardí de sa casa, a Madrid. I també pinta flors, en diferents moments segons es van marcint en el got o en un pitxer.

Amb els fruits realitza natures mortes, estudiant acuradament la composició, explorant les possibilitats de combinació de codonys, carabasses o magranes deixats caure sobre una taula, per a després dibuixar-ho i atrapar eixa llum, densa i càlida, que acaricia la pell, els contorns redons i la morfologia orgànica de la fruita.

Els codonys els aborda també en l'arbre, penjant de les branques, entre les fulles verdes. Amb aquestes pintures i dibuixos Antonio López busca reflectir la seua meravellada admiració per la naturalesa i les seues transformacions al llarg del temps. Es tracta, en definitiva, de captar l'essència de la vida.

En la pinzellada solta i precisa que atrapa amb delicadesa els matisos de la llum que travessa el fullatge del codonyer podem confirmar que quan l'artista sembla buscar de manera temptativa l'essència de la realitat, de la naturalesa, o el misteri de la vida, el que indubtablement troba és l'essència de la pintura.

Light also plays a role in his great panoramics of Madrid. These urban views are bathed in indefinite, enigmatic light, as if suspended in time, because it is not light from one specific day, but from a succession of sessions on different days over a certain period of time that can be extended or interrupted and taken up again after a year, when the season returns and with it the right light to continue. This makes the resulting light in the painting like the light that has sedimented over time, like overlapping veils that reproduce the essence of that quality of light in a certain place at a given moment, morning or afternoon in any age.

Antonio López is interested the essence of a city; any city, not necessarily Madrid. He has painted Tomelloso and he has painted New York; and he has paintings in progress of Bilbao and Seville. But Madrid is on his doorstep and as he has said, he is especially attracted to it because its urban and architectural features do not define it; it could be any city with its wastelands on the outskirts, a great urban sprawl with its organic growth gradually swallowing up the land from the countryside.

Neither people nor vehicles appear in the urban landscapes; nothing moves or defines the reality of a specific instant (at most, a clock frozen in time). Clouds disappear or are only sketchy, since they do not stay still. Capturing the essence of a moment or a place does not require paying attention to what is changing or to what does not last over time as the aesthetic standards of classical art have done.

L'escultura d'Antonio López se centra exclusivament en la figura humana i, seguint les fórmules clàssiques del gènere, l'escultura és de cos sencer, bust o cap. En aquestes escultures la llum ja no és el determinant, com succeeix en la pintura; l'important ara són les formes, les proporcions i la textura. Els referents són, de nou, els clàssics: aquelles escultures que va dibuixar en el Museo de Reproducciones Artísticas en el Casón del Buen Retiro durant els anys de formació.

Ha realitzat retrats de la seua dona María Moreno, de les seues filles o dels seus néts, en els quals podem intuir la personalitat del retratat. No obstant això, abans que els trets personals o l'expressivitat, el que més el preocupa de l'escultura són les formes, els volums i les proporcions i la textura. A conseqüència d'això, les figures semblen mancar de personalitat o les seues expressions resulten enigmàtiques, amb un gest alhora hieràtic i natural.

En els dibuixos preparatoris de les escultures queden patents les intencions de l'artista. En un mateix esbós superposa els contorns i anota les mesures de diferents models, per a després fer una síntesi. No es tracta de retratar a una persona en concret, sinó de representar la imatge icònica d'una persona qualsevol. Buscant un equilibri entre les diferents mesures, Antonio López tanteja les proporcions harmòniques d'una representació del cos humà que tinga la mateixa validesa universal que han tingut els cànons clàssics en l'art al llarg de la història.

Together with portraits (or the human figure) and landscapes, still life is the third of the classic genres in painting. It is a historical genre for Antonio López that he must necessarily tackle.

Like his uncle, the painter from Tomelloso, Antonio López has always been interested in the countryside and how the cycles and seasons gradually mark the passing of time year after year; millenary time. He paints fruit trees he has planted in his house’s garden in Madrid. And he also paints flowers at different moments as they progressively wither in a jug or vase.

He creates still lifes with fruit, carefully studying the composition, exploring the possibilities of combining quinces, pumpkins or pomegranates left to fall on a table so as to draw it afterwards and capture that dense, warm light caressing the fruit’s skin, its round contours and organic morphology.

He also deals with quinces on the tree, hanging from the branches among green leaves. With these paintings and drawings, Antonio López seeks to reflect his awestruck admiration for nature and its transformations over time. To sum up, it is about capturing the essence of life.

In the loose yet accurate strokes that delicately capture the shades of light through the foliage of the quince tree, we can see that when the artist tentatively seeks the essence of reality, of nature and of the mystery of life, what he undoubtedly finds is the essence of painting.

Towards the end of the 1970s, human figures began to disappear from his interior scenes, as well as experiential, narrative and surrealist elements. This shift is particularly notable in the series of drawings of the interior of his study, which he created at the beginning of the 1970s, some of which are in large format with minute detail. In these drawings, the objective style is underlined by the black of the graphite and charcoal on paper. The sharp contrasts in chiaroscuro exaggerated by electric light help to construct an almost Velázquez-like space in which the depth of field is achieved by using successive planes. Our gaze penetrates that depth through doors and windows.

These drawings are very much related to the series of windows, which extends up to today. These apparently simple compositions, in which the window dominates the entire space, involve a surprising complexity in the conceptual proposal being represented. The artist always places us on the inside of the window so that we perceive three planes of the same reality, each with its own particular light: the inside of the building where we are; the outside that we see through the window; and the reflection in the glass of what is behind us (or the painter) when we look at the window itself. Once again, light is the means for articulating the depth of field.

The only surviving narrative remnant is of a poetic nature, at once descriptive and evocative, reduced to a trace of life, of the passing of time in the scenes.

Cap a finals dels anys seixanta, comencen a desaparéixer les figures humanes de les escenes d'interior; i també els elements vivencials, narratius o surrealitzants. Aquest canvi es fa especialment notable en la sèrie de dibuixos de l'interior del seu estudi que realitza a principis dels setanta, alguns de gran format i minuciós detallisme. En aquestos dibuixos el registre objectiu es veu subratllat pel blanc i negre del grafit i el carbonet sobre el paper. Els forts contrastos de clarobscur, exagerats per la llum elèctrica, ajuden a construir un espai quasi velasqueny on la profunditat de camp s'aconsegueix per mitjà de plans successius. La nostra mirada penetra en eixa profunditat a través de portes i finestres.

Aquestos dibuixos tenen molta relació amb la sèrie de les finestres, que es prolonga fins a l'actualitat. Aquestes composicions aparentment simples, on una finestra domina tot l'espai, tanquen una sorprenent complexitat en el plantejament conceptual de la representació. L'artista ens situa sempre en el costat interior de la finestra de manera que percebem tres plans d'una mateixa realitat, cadascun amb la seua llum particular: l'interior de l'estada en la qual ens situa, l'exterior que veiem per mitjà de la finestra i el reflex en el cristall d'allò que queda darrere de nosaltres (o del pintor) quan mirem cap a la finestra. De nou, la llum és el mitjà per a articular la profunditat de camp.

L'única escletxa narrativa que queda és de caràcter poètic, alhora que descriptiu i evocador, reduït a la petjada de la vida, del pas del temps en les escenes.

Antonio López’s sculptures focus entirely on the human form. Following the classic formulas of the genre, his sculptures are of a full body, bust or head. In these sculptures, the light is not decisive as occurs in his paintings; what is important here are the forms, the proportions and texture. The points of reference are again the classics: those sculptures that he drew in the Museum of Artistic Reproductions in the Casón del Buen Retiro building during the years of his education.

He has made portraits of his wife María Moreno, his daughters and his grandchildren, in which we can intuit the character of the person portrayed. However, when dealing with personal features and expressiveness, what most concerns him about the sculpture are the forms, the volumes, the proportions and the texture. As a result, the figures seem to lack character or else their expressions are enigmatic, with a gesture that is both hieratic and natural.

In his drawings in preparation for the sculptures, the artist’s intentions become clear. In the same sketch there are overlapping contours and he notes down the measurements of the different models to make a summary afterwards. It is not about portraying a specific person, but representing an iconic image of anybody. Seeking a balance between different measurements, Antonio López tests out the harmonic proportions in a representation of the human body with the same universal validity as the classical principles in art throughout history.

Hacia finales de los años sesenta, comienzan a desaparecer las figuras humanas de las escenas de interior; y también los elementos vivenciales, narrativos o surrealizantes. Este cambio se hace especialmente notable en la serie de dibujos del interior de su estudio que realiza a principios de los setenta, algunos de gran formato y minucioso detallismo. En estos dibujos el registro objetivo se ve subrayado por el blanco y negro del grafito y el carboncillo sobre el papel. Los fuertes contrastes de claroscuro, exagerados por la luz eléctrica, ayudan a construir un espacio casi velazqueño donde la profundidad de campo se logra por medio de planos sucesivos. Nuestra mirada penetra en esa profundidad a través de puertas y ventanas.

Estos dibujos tienen mucha relación con la serie de las ventanas, que se prolonga hasta la actualidad. Estas composiciones aparentemente simples, donde una ventana domina todo el espacio, encierran una sorprendente complejidad en el planteamiento conceptual de la representación. El artista nos sitúa siempre en el lado interior de la ventana de manera que percibimos tres planos de una misma realidad, cada uno con su luz particular: el interior de la estancia en la que nos sitúa, el exterior que vemos a través de la ventana y el reflejo en el cristal de aquello que queda detrás de nosotros (o del pintor) cuando miramos hacia la ventana. De nuevo, la luz es el medio para articular la profundidad de campo.

El único resquicio narrativo que queda es de carácter poético, a la vez descriptivo y evocador, reducido a la huella de la vida, del paso del tiempo en las escenas.

La escultura de Antonio López se centra exclusivamente en la figura humana y, siguiendo las fórmulas clásicas del género, la escultura es de cuerpo entero, busto o cabeza. En estas esculturas la luz ya no es lo determinante, como sucede en la pintura; lo importante ahora son las formas, las proporciones y la textura. Los referentes son, de nuevo, los clásicos: aquellas esculturas que dibujó en el Museo de Reproducciones Artísticas en el Casón del Buen Retiro durante los años de formación.

Ha realizado retratos de su mujer María Moreno, de sus hijas o de sus nietos, en los que podemos intuir la personalidad del retratado. Sin embargo, antes que los rasgos personales o la expresividad, lo que más le preocupa de la escultura son las formas, los volúmenes y las proporciones y la textura. Como consecuencia de esto, las figuras parecen carecer de personalidad o sus expresiones resultan enigmáticas, con un gesto a la vez hierático y natural.

En los dibujos preparatorios de las esculturas quedan patentes las intenciones del artista. En un mismo boceto superpone los contornos y anota las medidas de diferentes modelos, para luego hacer una síntesis. No se trata de retratar a una persona en concreto, sino de representar la imagen icónica de una persona cualquiera. Buscando un equilibrio entre las distintas medidas, Antonio López tantea las proporciones armónicas de una representación del cuerpo humano que tenga la misma validez universal que han tenido los cánones clásicos en el arte a lo largo de la historia.

La luz es también la protagonista de las grandes panorámicas de Madrid. Estas vistas urbanas, se bañan de una luz indefinida, enigmática, como si se encontrara suspendida en el tiempo. Porque no es la luz de un día en concreto, sino de una sucesión de sesiones en diferentes días de un determinado período de tiempo que puede dilatarse o interrumpirse y retomarse al cabo de un año, cuando vuelve la estación y trae consigo la luz adecuada para continuar. Esto hace que la luz resultante en el cuadro sea como el poso de la luz a lo largo del tiempo, como una superposición de velos que reproducen lo esencial de la calidad lumínica de un lugar en un momento dado, mañana o tarde, de cualquier época.

A Antonio López le interesa lo esencial de la ciudad; de una ciudad cualquiera, no necesariamente Madrid. Ha pintado Tomelloso y ha pintado Nueva York; y tiene sendos cuadros en proceso que son vistas de Bilbao y de Sevilla. Pero Madrid la tiene a la puerta de casa y, según ha manifestado, le atrae especialmente porque sus rasgos urbanísticos y arquitectónicos no son determinantes: podría ser una ciudad cualquiera, con sus descampados de periferia; una gran urbe que con su crecimiento orgánico va comiéndole terreno al campo.

No aparecen en los paisajes urbanos ni personas ni vehículos; nada que se mueva ni que defina la realidad de un instante determinado (acaso algún reloj detenido en el tiempo). Las nubes desaparecen o quedan solamente esbozadas, porque no se están quietas. Captar la esencia de un momento o un lugar no requiere atención a lo cambiante, a lo que no perdura en el tiempo como han perdurado los cánones estéticos del arte clásico.

El bodegón o la naturaleza muerta es, junto al retrato (o la figura humana) y el paisaje, el tercero de los géneros clásicos de la pintura; un género histórico para Antonio López, que necesariamente debe abordar.

Como a su tío, el pintor de Tomelloso, a Antonio López siempre le ha interesado el campo y cómo los ciclos y las estaciones van marcando el paso del tiempo año tras año; un tiempo milenario. Pinta los frutales que ha plantado en el jardín de su casa, en Madrid. Y también pinta flores, en distintos momentos según se van marchitando en el vaso o en un jarrón.

Con los frutos realiza bodegones, estudiando cuidadosamente la composición, explorando las posibilidades de combinación de membrillos, calabazas o granadas dejados caer sobre una mesa, para después dibujarlo y atrapar esa luz, densa y cálida, que acaricia la piel, los contornos redondos y la morfología orgánica de la fruta.

Los membrillos los aborda también en el árbol, colgando de las ramas, entre las hojas verdes. Con estas pinturas y dibujos Antonio López busca reflejar su maravillada admiración por la naturaleza y sus transformaciones a lo largo del tiempo. Se trata, en definitiva, de captar la esencia de la vida.

En la pincelada suelta y certera que atrapa con delicadeza los matices de la luz que atraviesa el follaje del membrillero podemos confirmar que cuando el artista parece buscar de forma tentativa la esencia de la realidad, de la naturaleza, o el misterio de la vida, lo que indudablemente encuentra es la esencia de la pintura.

Una parte importante de la formación académica en las escuelas de bellas artes se centraba en el dibujo. Antonio López destacó muy pronto como dibujante y las largas sesiones vespertinas en el Casón del Buen Retiro, copiando las esculturas clásicas del Museo de Reproducciones Artísticas, tuvieron un peso determinante en su decisión de ceñirse a la figuración frente al interés de sus compañeros por explorar las posibilidades del informalismo. Los viajes juveniles a Italia y a Grecia reforzaron su interés por el arte clásico y el Quattrocento italiano, que redescubrió a través de los pintores metafísicos.

Pero la influencia decisiva en su desarrollo como artista la ejerció su tío, el pintor de Tomelloso, Antonio López Torres, quien descubrió su talento y dirigió su preparación para el ingreso en la Escuela de San Fernando. De él aprendió que el oficio es una carrera de fondo, de trabajo cotidiano, de carácter austero y temas modestos; siguiendo sus consejos, se centró en reflejar la realidad de su entorno personal, escenas domésticas del día a día, con la familia y su entorno como protagonistas.

Su técnica pictórica explota las posibilidades matéricas de la pintura de sus compañeros informalistas, con guiños al muralismo y la pintura al fresco. Sus inquietudes plásticas le llevan a experimentar con el relieve –en madera policromada, en barro, escayola o en bronce- donde juega con perspectivas forzadas que atrapan la mirada del espectador y pronto, comienza a trabajar también con la escultura de bulto redondo.

En estas escenas tan aparentemente neutras, introduce la mirada subjetiva del artista. Se trata de un tono onírico que lo impregna todo, una carga psicológica y emocional más epifánica que narrativa (en estos términos hablaba la crítica), que se ve reforzada por el empleo de recursos propios del realismo mágico, del surrealismo o de la pintura metafísica. Todo este entramado pictórico busca reproducir el misterio que nutre la mirada del artista sobre la realidad; ese misterio que a través del tiempo, permite atisbar el carácter trascendente de los objetos más insignificantes en el mundo que nos rodea.

Las dos salas dedicadas a María Moreno (Madrid, 1933 – 2020), mujer de Antonio López, reúnen escenas de interior, paisajes urbanos, vistas de jardín, flores y bodegones que evidencian tanto las afinidades como los contrastes en las propuestas temáticas y en las inquietudes plásticas de ambos artistas, su admiración mutua y su mutuo compromiso vital.

Formada en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, María Moreno es una de las figuras imprescindibles del nuevo realismo que surgió en España a mediados de los 50. Desde los años setenta del siglo pasado, la obra de María Moreno comenzó a mostrarse y a formar parte de colecciones internacionales. Teniendo gran repercusión las exposiciones que se celebraron en Alemania y Reino Unido dedicadas al grupo de artistas que se dedicaban a la Nueva Figuración en Madrid en aquellos momentos. Sus exposiciones individuales han tenido un gran impacto en el conocimiento de su obra por parte de coleccionistas nacionales e internacionales. En los últimos años su obra ha formado parte de varias muestras colectivas, siendo especialmente significativas tanto la realizada en 1991 en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, Otra realidad. Compañeros en Madrid, como la reciente Realistas de Madrid en el Museo Thyssen-Bornemisza (febrero-mayo 2016).

Los motivos de sus obras, que están siempre ligados íntimamente a ella, abarcan los paisajes, en los que Madrid tiene un lugar destacado, aunque también los de La Mancha; los retratos de personas de su entorno de la primera etapa; los interiores, que han estado presentes desde el comienzo de su carrera; unos pocos bodegones; los jardines y muchas flores, flores, por las que ha tenido especial predilección sobre todo en su última época a partir de los años noventa. Además de en numerosas colecciones privadas, su obra está presente en las siguientes colecciones públicas: Fundació Sorigué, Lérida; Artium, Vitoria; Museo de Arte Contemporáneo de Toledo; Colección Iberdrola, Bilbao; Kupferstichkabinett, Kunsthalle, Hamburgo. Falleció el 17 de febrero de 2020 en Madrid, a los 86 años de edad.

La llum és també la protagonista de les grans panoràmiques de Madrid. Aquestes vistes urbanes, es banyen d'una llum indefinida, enigmàtica, com si es trobara suspesa en el temps. Perquè no és la llum d'un dia en concret, sinó d'una successió de sessions en diferents dies d'un determinat període de temps que pot dilatar-se o interrompre's i reprendre's al cap d'un any, quan torna l'estació i porta amb si la llum adequada per a continuar. Això fa que la llum resultant en el quadre siga com el pòsit de la llum al llarg del temps, com una superposició de vels que reprodueixen l'essencial de la qualitat lumínica d'un lloc en un moment donat, matí o vesprada, de qualsevol època.

A Antonio López li interessa l'essencial de la ciutat; d'una ciutat qualsevol, no necessàriament Madrid. Ha pintat Tomelloso i ha pintat Nova York; i té sengles quadres en procés que són vistes de Bilbao i de Sevilla. Però Madrid la té a la porta de casa i, segons ha manifestat, l'atrau especialment perquè els seus trets urbanístics i arquitectònics no són determinants: podria ser una ciutat qualsevol, amb els seus descampats de perifèria; una gran urbs que amb el seu creixement orgànic va menjant-li terreny al camp.

No apareixen en els paisatges urbans ni persones ni vehicles; res que es moga ni que definisca la realitat d'un instant determinat (potser algun rellotge detingut en el temps). Els núvols desapareixen o queden solament esbossats, perquè no s'estan quiets. Captar l'essència d'un moment o un lloc no requereix atenció a allò canviant, al que no perdura en el temps com han perdurat els cànons estètics de l'art clàssic.